В пространстве галереи ULM представлена персональная выставка Анны Лапшиновой. Творчество Анны не ограничено рамками одной конкретной техники, но охватывает широкий репертуар форм искусства: от лайтбоксов до концептуальной графики.
Произведения художницы находятся на грани фигуративного и абстрактного, видимого и невидимого, прозрачного и явленного, как обрывистые воспоминания. Человеческая память сохраняет лишь самые яркие моменты прошлого: так, геометрично фрагментированные силуэты, находящиеся словно в переходном состоянии, отражают эту сущность, дискретность воспоминаний.
Творчество художницы, построенное на правилах академического рисунка с растертыми фактурными иллюзорными полосами и ускользающими тенями, выходит за рамки двухмерного пространства, переходя в объемные и передвижные форматы. Анна с особым уважением относится к материалу, позволяя ему проступить и стать частью композиции: незаполненные полностью рисунком холсты из тонкого льна остаются оголенными, проявляя, таким образом, фактуру медиума.
Монохромный, сведенный к минимализму художественный язык Анны близок к эстетике “моно-но аварэ”. Японская концепция “моно-но аварэ” дословно переводится как “печальное очарование вещей”, что означает чувство меланхоличного переживания, созерцания быстротечной прелести мира. Быстротечность, иллюзорность – то, что отражают словно выхваченные из глубины памяти работы Анны. Художница преображает, поэтизирует тривиальность повседневности, открывая зрителю новые способы созерцания простого и привычного.
В выстраивании экспозиционного пространства мы отталкивались от свойственной японской культуре минималистичности, особенно выраженной в садовом искусстве (большая часть представленных на выставке работ связана с образом сада) – “сократить, сжать, получить всю полноту”. Подобно тому, как пространство японского сада открыто в бесконечность и сливается с ней, произведения художницы также оказываются целостностью, совмещая в себе миг и вечность.
Произведения художницы находятся на грани фигуративного и абстрактного, видимого и невидимого, прозрачного и явленного, как обрывистые воспоминания. Человеческая память сохраняет лишь самые яркие моменты прошлого: так, геометрично фрагментированные силуэты, находящиеся словно в переходном состоянии, отражают эту сущность, дискретность воспоминаний.
Творчество художницы, построенное на правилах академического рисунка с растертыми фактурными иллюзорными полосами и ускользающими тенями, выходит за рамки двухмерного пространства, переходя в объемные и передвижные форматы. Анна с особым уважением относится к материалу, позволяя ему проступить и стать частью композиции: незаполненные полностью рисунком холсты из тонкого льна остаются оголенными, проявляя, таким образом, фактуру медиума.
Монохромный, сведенный к минимализму художественный язык Анны близок к эстетике “моно-но аварэ”. Японская концепция “моно-но аварэ” дословно переводится как “печальное очарование вещей”, что означает чувство меланхоличного переживания, созерцания быстротечной прелести мира. Быстротечность, иллюзорность – то, что отражают словно выхваченные из глубины памяти работы Анны. Художница преображает, поэтизирует тривиальность повседневности, открывая зрителю новые способы созерцания простого и привычного.
В выстраивании экспозиционного пространства мы отталкивались от свойственной японской культуре минималистичности, особенно выраженной в садовом искусстве (большая часть представленных на выставке работ связана с образом сада) – “сократить, сжать, получить всю полноту”. Подобно тому, как пространство японского сада открыто в бесконечность и сливается с ней, произведения художницы также оказываются целостностью, совмещая в себе миг и вечность.